miniaturadaimagem|280x280px| A execução de instrumentos de época é um aspecto fundamental do HIP, como esta orquestra barroca (Foto: Josetxu Obregón e o conjunto espanhol La Ritirata, 2013). A Performance Historicamente Informada (também conhecida como "musica antiga", música historicamente informada, performance autêntica) é uma abordagem na execução de música clássica que busca ser fiel à abordagem, estilo e práticas da época musical em que uma obra foi originalmente concebida. Essa abordagem envolve uma pesquisa cuidadosa e o uso de instrumentos, técnicas e estilos interpretativos autênticos da época histórica em questão, proporcionando uma interpretação que se alinha mais estreitamente com as intenções do compositor original.
A Performance Historicamente Informada fundamenta-se em dois aspectos principais: a aplicação dos elementos estilísticos e técnicos da execução, denominada prática performática; e a utilização de instrumentos de época, os quais podem ser reproduções de instrumentos históricos que estavam em uso durante o período da composição original. Esses instrumentos frequentemente apresentam timbre e temperamento musical distintos em comparação com suas contrapartes modernas. Uma outra área de estudo em ascensão é a análise das mudanças nas expectativas dos ouvintes ao longo do tempo.
Dado que não há registros sonoros de música anterior ao final do século XIX, a Performance Historicamente Informada se baseia principalmente na análise musicológica de textos. Tratados históricos, manuais pedagógicos, críticas de concertos e outras evidências históricas são empregados para obter informações sobre as práticas de execução de uma determinada época. As gravações existentes, a partir da década de 1890 em diante (como cilindros, discos e reproduções de rolos de piano), permitiram que os estudiosos do romantismo do século XIX desenvolvessem uma compreensão detalhada e única desse estilo, embora não sem desafios remanescentes significativos. Em todas as épocas, os intérpretes de Performance Historicamente Informada geralmente utilizam edições acadêmicas ou textuais de partituras como ponto de partida, enquanto aplicam uma série de práticas estilísticas contemporâneas, incluindo alterações rítmicas e ornamentações de vários tipos.
Teve seu desenvolvimento principalmente em diversos países ocidentais durante meados do século XX, constituindo ironicamente uma resposta modernista à quebra modernista com tradições performáticas anteriores. Inicialmente focalizada na execução de música medieval, renascentista e barroca, a abordagem da HIP expandiu-se para incluir músicas das eras clássica e romântica. A HIP tem desempenhado um papel crucial no movimento de renascimento da música antiga nos séculos XX e XXI, influenciando também o cenário teatral, como evidenciado na produção de ópera barroca, onde abordagens historicamente informadas são empregadas não apenas na interpretação musical, mas também na encenação e cenografia.
Alguns críticos questionam a metodologia do movimento, argumentando que a seleção de práticas e estéticas é uma construção do século XX e, em última análise, é impossível determinar com precisão como eram as performances em épocas anteriores. É evidente que, quanto mais antigo o estilo e repertório, maior a distância cultural e, portanto, maior a possibilidade de interpretações equivocadas das evidências disponíveis. Por essa razão, o termo "historicamente informado" é atualmente preferido ao termo "autêntico", pois reconhece as limitações da compreensão acadêmica, evitando implicar uma precisão absoluta na recriação do estilo de performance histórica ou, pior ainda, adotar uma postura moralizante.
Primeiros instrumentos miniaturadaimagem| Coleções históricas de instrumentos preservados ajudam os pesquisadores ( St Cecilia's Hall, Edimburgo ) A seleção de instrumentos musicais desempenha um papel crucial no princípio da Performance Historicamente Informada. Ao longo do tempo, os instrumentos musicais se desenvolveram, e aqueles utilizados em períodos anteriores muitas vezes diferem significativamente de suas contrapartes modernas. Muitos instrumentos foram descontinuados, substituídos por ferramentas mais recentes na criação musical. Por exemplo, antes do advento do violino moderno, outros instrumentos de cordas com arco, como a rabeca ou a viola da gamba, eram amplamente utilizados. A presença de instrumentos antigos em coleções de museus tem sido fundamental para auxiliar os musicólogos na compreensão de como os diversos designs, afinações e timbres dos instrumentos podem ter influenciado a prática de performance em eras passadas.
Além de servirem como ferramentas de pesquisa, os instrumentos históricos desempenham um papel ativo na prática da Performance Historicamente Informada. Músicos contemporâneos que buscam recriar um som historicamente autêntico frequentemente recorrem a reproduções modernas de instrumentos de época (e, ocasionalmente, instrumentos originais). A escolha desses instrumentos baseia-se no raciocínio de que isso proporcionará uma execução musical considerada historicamente fiel à obra original, como o compositor original teria ouvido. Por exemplo, um conjunto de música contemporânea ao interpretar obras de Johann Sebastian Bach pode optar por utilizar violinos barrocos em vez de instrumentos modernos, na tentativa de recriar o som de uma orquestra barroca do século XVII.
Esse fenômeno contribuiu para o renascimento de instrumentos musicais que haviam caído completamente em desuso, provocando uma reavaliação do papel e da estrutura dos instrumentos também empregados na prática contemporânea.
Orquestras e conjuntos que são conhecidos pelo uso de instrumentos de época em apresentações incluem o Taverner Consort and Players (dirigido por Andrew Parrott ), a Academy of Ancient Music ( Christopher Hogwood ), o Concentus Musicus Wien ( Nikolaus Harnoncourt ), The English Concert ( Trevor Pinnock ), Hanover Band ( Roy Goodman ), English Baroque Soloists (Sir John Eliot Gardiner ), Musica Antiqua Köln ( Reinhard Goebel ), Amsterdam Baroque Orchestra & Choir ( Ton Koopman ), Les Arts Florissants ( William Christie ), La Petite Bande ( Sigiswald Kuijken ), La Chapelle Royale ( Philippe Herreweghe ), a Orquestra Australiana de Brandemburgo ( Paul Dyer ) e a Freiburger Barockorchester ( Gottfried von der Goltz ). Conforme a Performance Historicamente Informada ampliou seu alcance para incluir obras da era romântica, a sonoridade específica dos instrumentos do século XIX tem ganhado reconhecimento crescente dentro do movimento HIP, levando ao surgimento de orquestras que utilizam instrumentos de época, como a Orchester Révolutionnaire et Romantique de Gardiner.
Cravo miniaturadaimagem| Cravo de Pascal Taskin, Paris (1780) ( Museum für Kunst und Gewerbe Hamburgo ) Uma variedade de instrumentos de teclado anteriormente considerados obsoletos, como o clavicórdio e o cravo, experimentou um renascimento devido à sua importância singular na execução de música antiga. Antes do advento da orquestra sinfônica conduzida por um maestro, as orquestras renascentistas e barrocas frequentemente eram lideradas a partir do cravo; o diretor conduzia tocando continuamente, proporcionando uma estrutura estável e harmônica sobre a qual os demais instrumentistas adornavam suas partes. Muitas composições religiosas da época também faziam uso semelhante do órgão de tubos, frequentemente em combinação com um cravo. Performances historicamente informadas frequentemente fazem uso da execução em conjunto conduzida pelo teclado.
Entre os principais interpretes de cravo estão Scott Ross, Alan Curtis, William Christie, Christopher Hogwood, Robert Hill, Igor Kipnis, Ton Koopman, Wanda Landowska, Gustav Leonhardt, Trevor Pinnock, Skip Sempé, Andreas Staier, Colin Tilney e Christophe. Rouset.
Fortepiano Na segunda metade do século XVIII, o cravo foi gradualmente substituído pelos primeiros pianos. Com a saída de moda do cravo, muitos desses instrumentos foram destruídos. De fato, o Conservatório de Paris ficou famoso por ter utilizado cravos como lenha durante os períodos da Revolução Francesa e da era napoleônica.Alex Boekelheide, "Making Way for Beautiful Music ", USC News (2 October 2005, accessed 20 January 2014). Embora os termos fossem originalmente intercambiáveis, atualmente usamos "fortepiano" para indicar o estilo de piano mais antigo e menor, enquanto o mais familiar "pianoforte" é empregado para descrever os instrumentos maiores que se aproximam dos designs modernos, datando aproximadamente de 1830. Nos séculos XX e XXI, o fortepiano experimentou um renascimento como resultado da tendência em direção à Performance Historicamente Informada, com as obras de Haydn, Mozart, Beethoven e Schubert agora frequentemente tocadas no fortepiano. Cada vez mais, os pianos de Pleyel, Érard, Streicher e outros do início a meados do século XIX estão sendo usados para recriar a paisagem sonora de compositores românticos como Chopin, Liszt e Brahms.
Muitos interpretes de teclas especializados também possuem expertise em fortepiano e outros instrumentos de época. Embora alguns tecladistas conhecidos por suas habilidades no piano forte sejam Ronald Brautigam, Ingrid Haebler, Robert Levin, Malcolm Bilson e Tobias Koch.
Viola da Gamba miniaturadaimagem| Uma viola da gamba de Thomas Cole (c.1680) Uma considerável quantidade de música para viola, tanto em forma de conjunto quanto para apresentações solísticas, foi composta por músicos das diversas eras. renascentista e barroca, incluindo Diego Ortiz, Claudio Monteverdi, William Byrd, William Lawes, Henry Purcell, Monsieur de Sainte-Colombe, JS Bach., Georg Philipp Telemann, Marin Marais, Antoine Forqueray e Carl Frederick Abel.
As diversas vozes da família da viola da gamba:
Violone (dois tamanhos, um contrabaixo uma oitava abaixo do baixo e um menor uma quarta ou quinta acima, um ótimo baixo) baixo (aproximadamente do tamanho de um violoncelo) tenor (aproximadamente do tamanho de uma guitarra) alto (um pouco menor que o tenor) soprano ou descante (aproximadamente do tamanho de uma viola) pardessus de viole (aproximadamente do tamanho de um violino)
Entre os principais interpretes modernos de violas da gamba estão Paolo Pandolfo, Wieland Kuijken, Jordi Savall, John Hsu e Vittorio Ghielmi. Existem muitos consortes de violas atualmente.
Flauta Doce Flautas doces de diversos tamanhos, como contrabaixo, baixo, tenor, alto, soprano, sopranino e até mesmo os ainda menores pequeno sopranino ou garklein, são frequentemente tocadas hoje em consortes que abrangem diferentes tamanhos. Compositores como Händel e Telemann, entre outros, escreveram peças solo específicas para a flauta doce. Arnold Dolmetsch desempenhou um papel significativo no ressurgimento da flauta doce como um instrumento de concerto sério, reconstruindo um "conjunto de flautas doces (descantes, agudos, tenor e baixo), todos afinados em tons graves e baseados em originais históricos".Brian Blood, "The Dolmetsch Story ", Dolmetsch Online (26 September 2013, accessed 20 January 2014).
Muitas vezes, os músicos que começam como flautistas tradicionais acabam se dedicando à flauta doce. Alguns flautistas renomados incluem Frans Brüggen, que também foi um maestro destacado no movimento de instrumentos de época, Michala Petri, Ashley Solomon e Giovanni Antonini. Além disso, Händel e Telemann eram flautistas ávidos e habilidosos, como mencionado anteriormente. Handel, em particular, compôs diversas coleções de sonatas para flauta doce e baixo contínuo, embora muitas tenham sido posteriormente dominadas por transcrições para flauta, realizadas na metade do século XX.
Voz miniaturadaimagem| Contratenor Philippe Jaroussky, acompanhado por Christina Pluhar em 2011 ( teorba )