『魂の叫び』（たましいのさけび、原題: Rattle and Hum）は、アイルランドのロックバンド、U2が1988年10月に発表した6枚目のアルバムであり、同名ドキュメンタリー映画のサウンドトラックでもある。プロデュースはジミー・アイオヴィンが務めた。
前作『ヨシュア・トゥリー』の大成功に伴う巨大な北米ツアーの熱狂を捉えたライブ音源と、ツアー中およびツアー後にメンフィスのサン・スタジオなどで録音された新曲9曲が混在する、変則的な構成となっている。音楽的には前作から引き続いてアメリカン・ルーツ・ミュージック（ブルース、ゴスペル、カントリー、ソウル）への探求がより直接的に行われており、B.B.キングやボブ・ディランといったレジェンドとの共演、ビートルズやジミ・ヘンドリックスのカバーなどが収められている。タイトルの「rattle（ガラガラ）」と「hum（ブンブン）」は、楽曲「ブレット・ザ・ブルー・スカイ」の歌詞に登場する表現から引用された。
本作はイギリスとアメリカの両国でチャート1位を獲得し、全世界で1,400万枚以上の売上を記録するなど商業的には大成功を収めた。また、先行シングル「ディザイアー」はU2にとって初の全英シングルチャート1位をもたらした。しかし、その一方で批評家からは「アメリカ音楽を発展させるのではなく盗用している」「ロックの伝説たちの中に自分たちを同列に並べようとする誇大妄想的で傲慢な作品」といった厳しい批判を浴びた。この強烈なバッシングによる挫折と反省が、次作『アクトン・ベイビー』におけるサウンドの劇的な変化へとバンドを向かわせることになる。
概要
『魂の叫び』は、1987年のヨシュア・トゥリー・ツアーを記録するライブ・アルバムとして出発した。当初は、巨大化したツアーの模様を収録したライブ盤、あるいは同ツアーを題材としたドキュメンタリー映画のサウンドトラックとして、新曲を5～6曲程度加える構想だった。しかし制作が進むにつれてプロジェクトは次第に拡大し、最終的には新録曲を多数含む全17曲のアルバムとして完成した。ボノは、単なるライブ・アルバムを制作するのではなく、ツアーそのものを「アメリカ音楽を学んでいく過程」にしたかったと説明している。
音楽面では、『ヨシュア・トゥリー』で顕著になったアメリカのルーツ・ミュージックへの探求をさらに推し進め、ブルース、ゴスペル、カントリー、R&Bなど幅広い音楽的要素を取り入れている。メンフィスのサン・スタジオでは、「カウボーイ」・ジャック・クレメントをエンジニアに迎え、メンフィス・ホーンズをフィーチャーして「エンジェル・オブ・ハーレム」などを録音した。また、B.B.キングと共演した「ラヴ・カムズ・トゥ・タウン」、ボブ・ディランと共作した「ラヴ・レスキュー・ミー」など、アメリカ音楽を代表するミュージシャンとの交流も作品の大きな特徴となっている。「ディザイアー」ではボ・ディドリーを想起させるリズムを取り入れるなど、U2自身が影響を受けた音楽へのオマージュも随所に見られる。
商業的には大きな成功を収め、「ディザイアー」はU2にとって初の全英シングルチャート1位を獲得するなど、世界的な人気をさらに拡大させた。しかしその一方で、本作はU2のキャリアでも特に激しい批判を受けた作品となった。一部の批評家からは、アメリカの音楽的伝統を発展させるのではなく、過去の音楽を表面的に借用しているだけだという批判や、エルヴィス・プレスリー、B.B.キング、ボブ・ディランら歴史的なミュージシャンと自分たちを同列に置こうとする自己肥大化した作品だという批判も浴びた。
こうした批判は、U2自身にも大きな影響を与えた。ラリー・マレン・ジュニアは後年、B.B.キングらの音楽世界へ入り込もうとしたものの、自分たちは思っていたほどそれに適応できず、自身にとっては「自分が出てきたところとは無関係」であり、「自分は別の世界から来た」と感じたと述べている。また、『魂の叫び』の世界へ入り込んだことで、U2本来の出発点であった「新しい方法を探すこと」から離れてしまったとも振り返っている。ジ・エッジも後年に、本作の問題点の一つとして「革新性に欠けていたこと」を挙げ、。ボノもアルバム全体の過剰なレトロ志向に対する反動から、シーケンサーやドラム・ループを用いた硬質なサウンドの「ゴッド・パートII」を制作した。
『魂の叫び』は、U2がアメリカの音楽的伝統に深く接近した作品であると同時に、そのアプローチが持つ限界をバンド自身に認識させた作品でもあった。巨大化したツアー、映画、ライブ・アルバム、スタジオ録音、アメリカ音楽への憧憬を一つの巨大なプロジェクトにまとめた結果、本作はU2の絶頂期を象徴する一方で、バンドが自らの過去を見直す契機ともなった。その後、U2は従来の音楽性から大きく距離を取り、1991年の『アクトン・ベイビー』で電子音楽やダンス・ミュージックを大胆に導入した新たなサウンドへと転換していくことになる。その意味で『魂の叫び』は、『ヨシュア・トゥリー』から『アクトン・ベイビー』へ至るU2の変化の過程における重要な転換点に位置する作品である。
収録曲
楽曲一覧
全曲 作詞：ボノ、作曲：U2（特記を除く）
楽曲解説
ヘルタースケルター - Helter Skelter 1987年11月8日にコロラド州デンバーのマクニコルズ・アリーナで行われた公演で録音された。映画『U2/魂の叫び』にも、この公演のモノクロ映像が使用されている。 「ヘルタースケルター」がアルバムの冒頭に選ばれた背景には、『ヨシュア・トゥリー』によって世界的なスタジアム・バンドへと急速に成長したU2と、その直後に行われた大規模なツアーの混乱があった。ツアーは1987年を通じて大規模に展開され、バンドはそれまで経験したことのない規模の観客とメディアの注目にさらされていた。U2は、この状況を象徴するような激しく混沌とした曲として「ヘルタースケルター」を選んだ。 ボノは後に、この曲についてヨシュア・トゥリー・ツアーで自分たちが経験していた状況そのものだったと説明している。当時のツアーでは、照明器具の落下によって顎を負傷したほか、乾燥した暑さによって声が出なくなるなど、身体的にも大きな負担を抱えていたという。こうした過酷な状況も、曲が持つ混沌としたイメージと重なっていた。 デンバー公演での演奏に先立ち、ボノはチャールズ・マンソンについて言及し、「これはチャールズ・マンソンがビートルズから盗んだ曲だ。僕たちはそれを取り戻す」と観客に語った。マンソンはビートルズの「ヘルター・スケルター」を自身の終末論的思想と結びつけていたことで知られており、ボノの発言はその文脈を踏まえたものである。ボノは後に、この発言はその夜に即興的に出たものだったと説明している。 フリーダム・フォー・マイ・ピープル - Freedom For My People(アダム・マギーの演奏曲) ニューヨークのハーレムでストリート・ミュージシャンとして活動していたスターリング・マギーとアダム・ガッサウによる演奏を収録した短いインタールード。マギーはギターとパーカッション、ガッサウはハーモニカを担当している。アルバムには約40秒の演奏が収録され、次に続く「シルヴァー・アンド・ゴールド」への短い導入として配置されている。 『魂の叫び』の制作に際して、U2はハーレムを訪れ、ニュー・ヴォイセズ・オブ・フリーダムとのリハーサルを行った。その際、街を歩いていたメンバーが路上で演奏していたマギーとガッサウに出会い、その演奏を撮影した。映画ではこの場面が、U2がアメリカのルーツ・ミュージックを探求する過程の一場面として描かれている。ただ、ナイル・ストークスはそのシーンを「あざとい」と評している。 クレジット上の作曲者はスターリング・マギー、アダム・ガッサウらとされており、U2自身による楽曲ではない。2人は後にを名乗るブルース・デュオとして活動した。
ラヴタウン・ツアー
本作に伴う「ラヴタウン・ツアー」は、1989年9月から1990年1月にかけて、オセアニア、アジア、ヨーロッパで全47公演が行われた。前回のヨシュア・トゥリー・ツアーで訪れなかったオーストラリア、ニュージーランド、日本を中心に巡回し、B.B.キングが大部分の公演で前座を務めたほか、終盤にはU2と共演して「ラヴ・カムズ・トゥ・タウン」などを演奏した。
1989年12月31日にダブリンのポイント・デポで行われた公演は各国へラジオ中継され、後にライヴ作品『Live from the Point Depot』として配信された。その前日の公演でボノは、ツアー終了後にバンドが活動を休止し、「すべてをもう一度夢見直さなければならない」と発言した。ツアー後、U2はそれまでのルーツ・ミュージック志向から距離を置き、次作『アクトン・ベイビー』で音楽性とイメージを大きく転換した。
批評 本作は1988年10月の発売当時、『ヨシュア・トゥリー』によって世界的な成功を収めたU2が、アメリカの音楽的伝統を本格的に掘り下げた作品として注目された。一方で、ライブ音源、新曲、カバー、他のミュージシャンとの共演などを一つの作品に詰め込んだ構成については、作品としてのまとまりを欠くという批判もあった。
『タイム』のジェイ・コックスは、発売直後の批評について「範囲が広すぎ、まとまりに欠ける」とする不満があったことを紹介しながらも、U2が自分たちを「再発見し、作り直そう」とする情熱によってアルバムに焦点を与えていると評価した。
『ニューヨーク・タイムズ』のジョン・パレレスは、U2が「ロックンロールの殿堂にあるあらゆる栄冠を自分たちのものにしよう」としていると批判し、「曲から曲へと伝わってくるのは、ひたすら誠実な自己肥大症だ」と評した。
『ヴィレッジ・ヴォイス』紙のトム・カーソンは、「ほとんどどんなロックンロール・ファンの基準から見ても、U2の『ラトル・アンド・ハム』はひどいレコードだ」とし、その失敗は「気取りから生じたものというより、途方もない無知によるもの」と評した。
『ローリング・ストーン』のアンソニー・デカーティスは、本作をライブ音源、カバー曲、他のアーティストとの共演、インタビュー音源などを収録した「広大なダブル・アルバム」と捉え、U2が『ヨシュア・トゥリー』による大成功の後に、自分たちの音楽的な選択肢を広げようとした作品と評価した。一方で、ビートルズの『ザ・ビートルズ』やローリング・ストーンズの『メイン・ストリートのならず者』のような「過剰の傑作」と比較した場合には、その水準には達していないとも指摘している。
また、音楽研究者のノエル・マクラフリンとマーティン・マクルーンは、本作におけるU2のアフリカ系アメリカ文化への関心について、ローリング・ストーンズに代表される、黒人音楽と官能性を結びつけた人種的真正性の模倣とは異なるものだったと論じている。両者によれば、U2は公民権運動をはじめとするアフリカ系アメリカ人の政治闘争と音楽的伝統への敬意を取り込み、自らの「社会的良心を掲げるロック（caring rock）」というイメージを発展させた。この過程で、U2におけるセクシュアリティーは精神的・政治的関心へと昇華されていたという。さらに、両者は同作を、黒人性とアイルランド性という二つの真正性を結びつけ、U2のサウンドを「非白人化」しようとした、問題をはらむ不完全な試みとも評している。ただし、同作が批評上の反発を受けた理由は、真正性の獲得に失敗したことだけではなく、黒人音楽、アイルランド性、アメリカのルーツ音楽を混合したサウンドが、従来のロックにおける真正性の枠組みに収まりにくかったためだと指摘した。
文化研究者のローレン・オンキーは、同作では「黒人性」が原初的で真正な感情へ接近する手段として用いられ、アイルランド人をアフリカ系アメリカ人の「ケルト系のソウル・ブラザー」として位置づける役割を果たしたと論じている。オンキーによれば、そこではアイルランド人も歴史的に抑圧されてきたという事実を根拠に、ソウルミュージックやリズム・アンド・ブルースをアイルランド人音楽家が採用することには問題がないという連続性が構築されていた。
一方で好意的な評価もあった。U2を長年支持してきた2人の擁護者、『ロサンゼルス・タイムズ』のロバート・ヒルバーンと『ホット・プレス』誌のビル・グレアムは、そろって本作を高く評価した。ヒルバーンはこれを「しばしば驚嘆させられるアルバムであり、グラミー賞を受賞した『ヨシュア・トゥリー』の水準を満たしているだけでなく、U2をロック史上最も偉大なグループの一つとして、これまで以上に説得力をもって位置づける作品」と評した。 一方、グレアムは「U2がこれまでに発表した中で、最も野心的なレコード」と語った。
『NME』誌のスチュアート・ベイリーもこの絶賛合戦に加わり、アルバムに10点満点中8点を与えた。しかし後になって、この絶賛レビューは実のところ、土壇場で差し替えられたものだったことが明らかになった。もともとマーク・シンカーが書いた批評は10点満点中4点で、彼は本作を「ここ数年でメジャー・バンドが発表した中では最悪のアルバム」と評していた。この批評はNME編集長アラン・ルイスによって掲載を見送られ、ベイリーのより肯定的なレビューに差し替えられた。シンカーはこれに抗議して同誌を辞職した。 後年のインタビューでは、NMEが実施した市場調査で、U2を表紙にした号は発行部数を約3万部増加させる可能性が示されたことが、この差し替えの背景にあったと説明されている。
後年の評価でも、アメリカ音楽への傾倒と作品の「過剰さ」が批判された。『ピッチフォーク』は『ヨシュア・トゥリー』のデラックス版レビューの中で、本作について、U2のエゴが彼らの野心を上回り、アメリカのルーツ・ミュージックへの自己意識的な傾倒が「大げさ」であったと厳しく評価している。
ただし、この批判は作品そのものの価値を全面的に否定するものではない。『ローリング・ストーン』は発売当時、本作をU2がダブリンの無名バンドから国際的なスーパースターへと成長していく物語を締めくくる作品と位置づけ、その「包括性」と「躍動するエネルギー」を評価した。現在では、『魂の叫び』は『ヨシュア・トゥリー』の単純な続編というよりも、U2が世界的な成功を手にした直後に、自分たちのルーツやアメリカ音楽との関係を徹底的に掘り下げた過渡期の作品として見ることができる。さらに、この作品に対する批判や、U2自身が感じた「やり過ぎ」の感覚が、後の『アクトン・ベイビー』における大胆な自己変革につながったことも、後年の評価を考えるうえで重要である。
評価 イヤーオブ 1988年ホットプレス年間ベストアルバムル第2位 1988年ホットプレス読者が選ぶ年間ベストアイリッシュアルバム第1位 1988年サウンズ年間ベストアルバム 1988年NME年間ベストアルバム50第23位 1988年Qマガジン年間ベストアルバム 1988年Humo（フランス）年間ベストアルバム第1位
オールタイム 1989年Buscadero（イタリア）が選ぶ80年代ベストアルバム 1990年Mucchio Selvaggio （イタリア）が選ぶ80年代ベストアルバム 1994年ギネスが選ぶオールタイムライブアルバム50第7位 1998年ヴァージンが選ぶオールタイムベストアルバム1000第731位 1998年スタジオ・ブリュッセル（ベルギー）の視聴者が選んだオールタイムベストアルバム第84位 2000年ヴァージンが選ぶオールタイムベストアルバ1000第330位 2004年レコードコレクターが選ぶ最も価値のあるアルバム100(2000ポンド) 2006年BBCレディオ２が選ぶオールタイムベストアルバム第61位 脚注
出典
参考文献