Il Manierismo nordico o Manierismo settentrionale è la forma del Manierismo che si trova nelle arti visive a nord delle Alpi nel XVI e all'inizio del XVII secolo.Le diverse definizioni di ciò che costitituiva il Manierismo italiano sono tristemente note, e hanno un effetto a cascata nel definire le versioni nordiche. Ai fini di questo articolo, il termine è usato in senso ampio nel senso enunciato in Shearman (pp. 15-32 in particolare), benché in un senso alquanto più vasto quando si discute di ornamento. Vedi Smyth, e specialmente la sua Introduzione di Cropper per un resoconto dei diversi modi in cui il termine è stato usato dagli storici dell'arte. Stili in gran parte derivati dal Manierismo italiano furono trovati nei Paesi Bassi e altrove intorno alla metà del secolo, specialmente l'ornamento manierista in architettura; questo articolo si concentra su quei tempi e luoghi in cui il Manierismo nordico generò il suo lavoro più originale e distintivo.

I tre centri principali dello stile furono in Francia, specialmente nel periodo 1530-50, a Praga dal 1576 e nei Paesi Bassi dagli anni 1580 – le prime due fasi guidate moltissimo dal mecenatismo reale. Negli ultimi 15 anni del secolo, lo stile, che ormai stava diventando superato in Italia, era diffuso in tutta l'Europa settentrionale, propagato in gran parte attraverso le stampe. Nella pittura, tese a ritirarsi nel nuovo secolo, sotto la nuova influenza di Caravaggio e del primo Barocco, ma nell'architettura e nelle arti decorative, la sua influenza fu più sostenuta.Vedi, ad esempio, Simon Jervis, Printed Furniture Designs Before 1650, Furniture History Society, 1974.

Inquadramento

L'arte sofisticata del Manierismo italiano inizia durante l'Alto Rinascimento degli anni 1520 come uno sviluppo, una reazione contro e un tentativo di superare, i trionfi serenamente equilibrati di quello stile. Come spiega lo storico dell'arte Henri Zerner: "Il concetto di Manierismo – così importante per la critica moderna e in particolare per il rinnovato gusto per l'arte di Fontainebleau – designa uno stile in opposizione al classicismo del Rinascimento italiano incarnato soprattutto da Andrea del Sarto a Firenze e Raffaello a Roma".Zerner, p. 124.

Il Rinascimento maturo era un fenomeno puramente italiano, e il Manierismo italiano richiedeva sia gli artisti sia un pubblico altamente preparato nei precedenti stili rinascimentali, le cui convenzioni erano spesso sfidate in modo consapevole. Nel Nord Europa, tuttavia, tali artisti, e un tale pubblico, si potevano difficilmente trovare. Lo stile prevalente rimaneva gotico, e diverse sintesi di questo e degli stili italiani furono fatte nei primi decenni del XVI secolo da artisti più internazionalmente consapevoli come Albrecht Dürer, Hans Burgkmair e altri in Germania, e dalla scuola chiamata in modo fuorviante Manierismo di Anversa, in realtà estranea e precedente al Manierismo italiano.Il termine si usa talvolta anche in architettura per descrivere uno stile diverso, che è manierista. Lo stile pittorico si trova per lo più prima del 1520 circa, quello architettonico dopo il 1540 circa. Il Romanismo fu più profondamente influenzato dall'arte italiana dell'Alto Rinascimento e dagli aspetti del Manierismo, e molti dei suoi principali esponenti si erano recati in Italia. La pittura dei Paesi Bassi era stata generalmente la più avanzata in Europa settentrionale da prima del 1400 e i migliori artisti olandesi erano più abili di quelli di altre regioni a tenere il passo con gli sviluppi italiani, sebbene in ritardo.

Per ciascuna delle successive generazioni di artisti, il problema divenne più acuto, in quanto gran part dell'opera del Nord continuò ad assimilare progressivamente aspetti dello stile rinascimentale, mentre l'arte italiana più avanzata si era avvitata in un'atmosfera di imbarazzata sofisticazione e complessità che doveva sembrare un mondo a parte a mecenati e artisti del Nord, ma godeva di una reputazione e di un prestigio che non potevano essere ignorati.Shearman, pp. 22–24.

Francia

La Francia ricevette un'iniezione diretta di stile italiano nella forma della prima Scuola di Fontainebleau, dove dal 1530 diversi artisti fiorentini di qualità furono ingaggiati per decorare il Palazzo reale di Fontainebleau, con l'assunzione di alcuni assistenti francesi. Le importazioni più importanti furono il Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo de' Rossi, 1494-1540), Francesco Primaticcio (c. 1505-1570), Nicolò dell'Abate (c. 1509-1571), tutti rimasti in Francia fino alla loro morte. Questa congiuntura riuscì a generare uno stile francese nativo con forti elementi manieristi che fu poi in grado di svilupparsi in gran parte da solo. Jean Cousin il Vecchio, ad esempio, produsse dipinti, come Eva prima Pandora e Carità, che, con i loro nudi sinuosi e allungati, attingevano in modo palpabile ai principi artistici della scuola di Fontainebleau.Chastel, pp. 219–20. Eva Prima Pandora.

Il figlio di Cousin Jean il Giovane, la maggior parte delle cui opere non sono sopravvissute, e Antoine Caron seguirono entrambi questa tradizione, producendo una versione agitata dell'estetica manierista nel contesto delle guerre di religione francesi. L'iconografia delle opere figurative era per lo più mitologica, con una forte enfasi su Diana, dea della caccia che era la funzione originaria di Fontainebleau, e omonima di Diana di Poitiers, amante e musa di Enrico II, e lei stessa appassionata cacciatrice. La sua figura snella, con le gambe lunghe e atletica "si fissò nell'immaginario erotico".Bull, p. 278.

Altre parti del Nord Europa non ebbero il vantaggio di un così intenso contatto con artisti italiani, ma lo stile manierista fece sentire la sua presenza attraverso stampe e libri illustrati, acquisti di opere italiane da parte di governanti e altri,In particolare a Francesco I di Francia fu donata lAllegoria del trionfo di Venere del Bronzino. viaggi di artisti in Italia e l'esempio di singoli artisti italiani che lavoravano nel Nord.

Gran parte del lavoro più importante a Fontainebleau consisteva in rilievi a stucco, spesso eseguiti da artisti francesi su disegni degli italiani (e poi riprodotti in stampe), e lo stile di Fontainebleau influiva più fortemente sulla scultura francese rispetto alla pittura francese. Le enormi cornici in stucco che dominano i loro dipinti a inserto con audaci strisce di cuoio in altorilievo, festoni di frutta e generose figure accessorie nude simili a ninfe, furono molto influenti sul vocabolario dell'ornamento manierista in tutta Europa, diffuso da libri di ornamenti e stampe di Androuet du Cerceau e altri – Rosso sembra essere stato l'autore dello stile. Mobili in noce di alta qualità realizzati in centri metropolitani come Parigi e Digione, impiegavano cornici di cuoio e supporti scultorei in dressoirs e buffets. La misteriosa e sofisticata ceramica di Saint-Porchaire, di cui sopravvivono solo una sessantina di pezzi, portò un'estetica simile alla ceramica.

A parte lo stesso Palazzo di Fontainebleau, altri importanti edifici decorati nello stile erano il Castello di Anet (1547-52) per Diana di Poitiers e parti del Palazzo del Louvre. Il mecenatismo delle arti di Caterina de' Medici promosse lo stile manierista, tranne che nella ritrattistica, e le sue feste di corte furono le uniche regolari del nord a rivaleggiare con gli intermedi e le entrate della corte dei Medici a Firenze; tutto ciò si basava molto sulle arti visive. Dopo un interludio quando il lavoro su Fontainebleau fu abbandonato al culmine delle guerre di religione francesi, una "Seconda scuola di Fontainebleau" fu formata da artisti locali negli anni 1590.

Praga sotto Rodolfo II

Massimiliano II, imperatore del Sacro Romano Impero (regnante 1564-1576), che pose la sua sede a Vienna, aveva gusti umanistici e artistici e patrocinò numerosi artisti, particolarmente noti Giambologna e Giuseppe Arcimboldo, i cui ritratti di fantasia fatti di oggetti erano leggermente più seri nel mondo della filosofia tardo-rinascimentale di quanto sembrano ora. Alla fine del suo regno ideò un progetto per un nuovo palazzo e poco prima di morire il giovane pittore fiammingo Bartholomeus Spranger era stato convocato da Roma, dove aveva fatto una carriera di successo. Il figlio di Massimiliano, Rodolfo II, imperatore del Sacro Romano Impero, doveva dimostrarsi un patrono ancora migliore di quello che sarebbe stato suo padre e Spranger non lasciò mai il suo servizio. La corte si trasferì presto a Praga, più al sicuro dalle regolari invasioni turche, e durante il suo regno del 1576-1612, Rudolf doveva diventare un ossessivo collezionista di arte antica e nuova, i suoi artisti mescolandosi con astronomi, orologiai, botanici e anche "maghi, alchimisti e cabalisti" che Rudolf radunò attorno a lui.Trevor-Roper, pp. 87–104, citazione attribuita alla "sua indignata famiglia" a p. 122.

Le opere della Praga di Rodolfo erano altamente rifinite e raffinate, con la maggior parte dei dipinti che erano relativamente piccoli. L'allungamento delle figure e le posizioni sorprendentemente complesse della prima ondata del Manierismo italiano continuarono, e l'elegante distanza delle figure del Bronzino fu mediata attraverso le opere dell'assente Giambologna, che rappresentò l'ideale dello stile.

Le stampe furono essenziali per diffondere lo stile in Europa, Germania e Paesi Bassista in particolare, e alcuni incisori, come il più grande del periodo, Hendrik Goltzius lavoravano con disegni inviati da Praga, mentre altri, come Aegidius Sadeler che viveva a casa di Spranger, era stato tentato dalla città stessa. Rodolfo commissionò anche lavori dall'Italia, soprattutto da Giambologna, al quale i Medici non permettevano di lasciare Firenze, e quattro grandi allegorie mitologiche furono inviate da Paolo Veronese. L'influenza dell'Imperatore influenzò l'arte in altre corti tedesche, in particolare a Monaco di Baviera e Dresda, dove risiedeva l'orefice e artista Johann Kellerthaler.

Rodolfo non era molto interessato alla religione, e "nella Praga di Rodolfo II fu prodotta un'esplosione di immagini mitologiche che non si vedeva da Fontainebleau".Bull, p. 84. Vedi anche pp. 385–386 per i soggetti mitologici nel Manierismo in generale. Le dee di solito erano nude, o quasi, e prevale un'atmosfera di erotismo più evidente di quella che si trova nella maggior parte delle opere mitologiche del Rinascimento, che evidentemente riflettono gli "interessi speciali" di Rodolfo.Trevor-Roper, pp. 116–121, citazione p. 120. La figura dominante era Ercole, identificata con l'imperatore, come era stato in precedenza con i monarchi degli Asburgo e dei Valois.Bull, pp. 117 e 133-34. Ma gli altri dei non furono trascurati; le loro congiunzioni e trasformazioni avevano un significato nel Neoplatonismo rinascimentale e nell'Ermetismo che erano presi più seriamente nella Praga di Rodolfo rispetto a qualsiasi altra corte rinascimentale.Trevor-Roper, pp. 116–121, e Metzler, pp. 130 ss. Google libri Sembra, tuttavia, che le allegorie dipinte di Praga non contengano significati complicati molto specifici, né ricette nascoste per l'alchimia. Giambologna sceglieva spesso, o lasciava che qualcun altro scegliesse, un titolo per le sue sculture dopo il loro completamento; per lui erano solo le forme che contavano.Shearman, pp. 162–163.

L'influenza di Praga su altri pittori (e le loro città)

Paesi Bassi

Mentre gli artisti di Fontainebleau e Praga erano per lo più dotati di una casa così congeniale sia in termini intellettuali che fisici che rimasero fino alla fine della loro vita, per gli artisti dell'ultima fase neerlandese del movimento il Manierismo fu molto spesso una fase attraverso la quale passarono prima di spostarsi su uno stile influenzato da Caravaggio.